-- 张北霞 吴卫（株洲工学院 包装设计艺术学院，湖南 株洲 412008）
[摘 要] 欧普艺术又被称为"光效应艺术"，是西方二十世纪六十年代出现的一种风格流派；维克托·瓦萨雷里是欧普艺术的杰出代表；他的作品凭借几何形在二维平面的延展和色彩的变化，给人以眩目的视觉效果，形成一种流动的韵律。
[关键词] 瓦萨雷里；欧普艺术；几何形；色彩
1.欧普艺术产生的背景及其特点
欧普艺术（Optical Art）又被称为"光效应艺术"和"视幻艺术"， 它是继波普艺术之后，在西欧科学技术革命的推动下出现的一种新的风格流派，兴起于西方二十世纪六十年代。首次使用"欧普"（Optical）这一名称是在1965年，当时在纽约现代美术馆举办的一次主题为"眼睛的反应"（The Responsive Eye）展览会上，陈列出大量经过精心设计,按一定规律排列而成的波纹或几何形绘画, 这些作品给参观者以强烈的视觉刺激，达到了震撼人心的艺术效果。
事实上，欧普艺术就是要通过绘画达到一种视知觉的运动感和闪烁感,使视神经在与画面图形的接触过程中产生令人眩晕的光效应现象与视幻效果。欧普艺术家以此来探索视觉艺术与知觉心理之间的关系,试图证明用严谨的科学设计也能激活视觉神经,通过视觉作用唤起并组合成视觉形象,以达到与传统绘画同样动人的艺术体验。出于这一目的, 欧普艺术作品摒弃了传统绘画中一切的自然再现，而是在作品中，使用黑白对比或强烈色彩的几何抽象，在纯粹色彩或几何形态中，以强烈的刺激来冲击人们的视觉，令视觉产生错视效果或空间变形，使其作品有波动和变化之感。
欧普艺术可以称得上是一种挑战人类视觉的智力游戏，从而带领观众进入了一个变幻莫测的幻觉世界。艺术评论家弗波帕曾给欧普艺术作了一个较为科学化的解释：用各种不同的几何体的周期性结构，纬线叠积或色彩排列，同时运用各种不同的艺术手段和使其产生光焦度现象的科学方法--放射光的波纹形效果和色彩的扩散，它的强度分离又并行对比、连续或交叉，色彩和色调的增大或减少，色彩的互相干扰等等，所有这些现象都会对视网膜引起刺激、冲动、振动和其他对视觉的混合、重叠等强烈反应（如图像和背景的颠倒、前部暖色与后部冷色之间的相互渗透关系），造成一种含义不明的圆体和一种持久的不稳定的造型。[2]
欧普艺术家一方面认为抽象表现主义太随意和偶然；另一方面又认为波普艺术太鄙俗。他们主张要吸引观众，但却不能让观众卷入艺术之中；既不联系具体，也不表达感情和体验，而基本上利用视觉变化来造成一种幻景。[2] 这种视觉变化主要由两方面来完成--色彩的变化和形态的组织，欧普艺术家们在创造自己作品的同时也在不断地观察着这两方面在视觉中产生的各种幻觉，试图挖掘潜藏在这种幻觉表象后面的基本规律。在这种风格的形成过程中，欧普艺术家们可谓是博众家之长，如在空间透视方面，可以看到印象派美学的影子；在抽象形态的组织上，可以追溯到立体主义、未来主义、螺旋主义及康定斯基和克利等画家；而在色彩的相互关系方面，又受到新造型主义、构成主义的影响；此外，德国的包豪斯和鲁道夫·阿恩海姆的著作《艺术与视知觉》也给了欧普艺术家们很大的启发。
欧普艺术几乎同时兴起于欧美各国。其最杰出的代表是法国画家维克托·瓦萨雷里，他从50年代起就开始创作具有运动感和闪烁效果的绘画，成为法国欧普艺术的主流。其他具有影响力的欧普艺术画家有美国的约瑟夫·艾伯斯（Josef. Albers）和安德鲁基威斯（R. Anuskiewicz），英国的女艺术家瑞利（B. Riley）及以色列的阿格姆（Y. Agam）﹑委内瑞拉的萨图（J. R. Soto）等。
虽然欧普艺术盛行的时间并不是很久，到二十世纪七十年代就走向了衰落。但它变幻无穷的视觉印象，以强烈的刺激性和新奇感，广泛渗透于欧美和日本的建筑装饰、都市规划、家具设计、娱乐玩具、橱窗布置、广告宣传、纺织品印染，以及芭蕾舞、电视观赏等到多种设计领域，在国际上产生了很大影响。
2.以瓦萨雷里为代表的欧普艺术作品分析
2.1 瓦萨雷里简述
维克托·瓦萨雷里（Victor Vasarely，1908①-1997，见图1）是光效应绘画的奠基人之一，也是欧普艺术的杰出代表，被誉为"欧普艺术之父"。瓦萨雷里出生于匈牙利，在斯洛伐克度过了童年时代，1919年他们举家搬迁到了布达佩斯。1925年中学毕业后他学习了五个学期的医学。但之后的三年时间里他在素有布达佩斯"包豪斯"之称的桑德尔（Sandor Bortnyik）学院学习绘画和现代艺术。1930年，瓦萨雷里在布达佩斯的Kovacs akos画廊举办了他的第一次个人画展，之后他和妻子卡拉一起到了巴黎。在接下来的3年中，他一直致力于绘画学研究。
瓦萨雷里从二十世纪四十年代起，他便开始研究蒙德里安、康定斯基的作品和理论，并对色彩理论、知觉和幻觉的发展历史进行了思考，从而逐步形成了自己的看法。他认为在外部自然世界中潜藏着一个内部的几何世界，它就象整个自然界的精神语言，将内与外紧密相连。不仅如此，每一块基本的几何形都是色彩的基础，而每一种色彩又概括出不同形状的特征。因此他抛弃了自然界中的基本形态，直截选取标准色彩，并通过几何形在二维平面上的延展，建立起眩目而又迷惑知觉的奇妙空间。他一生都沉迷于线性图案结构，这使他画了一系列深奥的，用各种图形组成图案的主题作品，如：滑稽角色，西洋跳棋，虎，斑马等等。二十世纪五十年代，瓦萨雷里还写了一系列有关如何运用光学现象为艺术服务的宣言。这些宣言与他的作品对年轻的艺术家们有着非常重要的影响。正如瓦萨雷里所说，"在最后的分析研究中，纯创作中的实物对我来说像是家庭画作中最后的连线，它仍有着绚烂的美，并自我完结。但它已不仅仅是一幅画了，构成它的色彩与形态仍位于平面之上，但是由它们引发的可塑性却使平面的前部与内部结合在一起。所以这不仅是终点，也是起点，是为将来取得成就而搭建的发射台。"[3]
2.2 瓦萨雷里艺术作品特征透析
瓦萨雷里的作品既丰富又复杂了，因而不能简单地认为他仅仅是光效应艺术家。事实上，战后他的大量作品体现了他的整体思想。其中，最主要的一点还是有关艺术是实践活动的思想，艺术应该"创作"的思想，这使得他对放任自流的抽象极为反感。1950年他这样写到："艺术家变得不受限制了。任何人都可以自称艺术家，甚至于自称天才。任何一点色彩、草图或者线条，在神圣的主观感受的名义下，都可以算是一件作品。冲动压倒了技巧，诚实的工夫本领被偶然奇想、临时凑合的东西所代替。"瓦萨雷里建议人们应该把艺术家看作是制造原模的人，原模制成之后是可以复制的。"原模的价值不在于材料本身的珍贵，而在于它所体现的珍贵品质"。（《瓦萨雷里自述》，1965）[1]瓦萨雷里的这种思想可以看作是其对设计师的认可，实际上，设计师也就是那个制作原模的人，瓦萨雷里的思想里已经开始产生了绘画向设计的转变。转贴于 酷文网-论文下载中心 http://www.coolwen.net
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